solo dischi in vinile

Ristampa limitata in 500 copie, come indicato sul retro, copertina pressoche' identica sul fronte alla prima rara tiratura. Pubblicato dalla Epic nel 1958, "At home with" e' il primo album di Screamin' Jay Hawkins, vero nome Jalacy J. Hawkins, probabilmente il piu' bizzarro interprete del rock'n'roll degli anni '50. Cresciuto a Cleveland in una famiglia adottiva, si dedica in gioventu' alla boxe ma finisce poi per intraprendere la carriera musicale, come pianista e cantante, nel gruppo di Tiny Grimes all'inizio degli anni '50. Nel 1956 arriva al successo con la sua celeberrima "I put a spell on you", che diverra' un classico della musica rock (fra le cover citiamo quella dei Creedence Clearwater Revival del 1968). Il suo modo di cantare e la voce possente gli valgono il soprannome "Screamin", urlante. Nel 1958 esce quindi questo primo album, in cui la voce potentissima di Hawkins si esibisce in energici brani rock'n'roll e r'n'b, ma anche in ballate (tipo di composizione che lui prediligeva) come "Ol' man river" e bizzarri o, meglio, folli brani come l'indescrivibile "Hong Kong". Poco amato dall'establishment musicale americano, nel corso degli anni '60 suona in giro per l'Europa e l'Asia e pubblica alcuni album senza riscuotere molto successo. Screamin' Jay Hawkins era noto anche per le sue eccentriche esibizioni dal vivo, durante le quali usciva da una bara urlando, vestito con abiti sgargianti e strani copricapi, esibendosi in compagnia di un teschio, "Henry", che fumava una sigaretta; alcuni lo considerano percio' un precursore di musicisti rock molto scenici dal vivo come Arthur Brown e gli Who.

Ristampa del 2014, in vinile da 180 grammi, ormai fuori catalogo, copertina pressoche' identica alla prima rara tiratura, etichetta viola ed argento, catalogo OJC-196 (NJ-8210) sull' etichetta, 0888072351189 sulla costola. Originariamente pubblicato nel 1958 dalla New Jazz, inciso al Rudy Van Gelder Studio di Hackensack, New Jersey, il 14 novembre del 1958, da Roy Haynes (batteria), Phineas Newborn (pianoforte) e Paul Chambers (contrabbasso). Il debutto vinilico da bandleader per il batterista afroamericano, ''We three'' vede in gran risalto il pianista Newborn, al quale Haynes lascia spazio attraverso questi sei brani di hard bop fluido e rilassato, che si lascia ascoltare con facilita'. Questa la scaletta: ''Reflection'', ''Sugar ray'', ''Solitaire'', ''After hours'', ''Sneakin' around'', ''Our delight''. Strumentista versatile e noto principalmente per la sua attivita' di sessionman e membro di prestigiosi ensemble, il batterista Roy Haynes ha suonato praticamente con tutti i grandi del jazz dagli anni '40 in poi, da Lester Young e Charlie Parker a Thelonious Monk, e poi con Gillespie, Coltrane, Davis, Chick Corea e Pat Metheny, solo per citarne una parte. Haynes ha avuto tuttavia anche una lunga carriera come band leader, iniziata a meta' anni '50 ed in corso ancora nei primi anni del nuovo secolo, quando l'oramai ottantenne jazzista continua ad ottenere riconoscimenti.

Catalogo Ed-358. Pubblicata nel 2010 dalla Norton, questa benemerita antologia compila tutti i brani dei cinque singoli su TNT e dei due su Renner usciti a nome Roy Head and the Traits fra il 1959 ed il 1962, oltre al singolo "One more time / Don't be blue" uscito nel 1965 a nome Roy Head (si tratta dei brani del primo singolo con i Traits, ma con l'aggiunta di sovraincisioni per opera della stessa TNT). Sono le primissime pubblicazioni di un giovanissimo Roy Head, accompagnato dai Traits, prima di raggiungere la fama nazionale con il fortunato singolo "Treat her right" del 1965. Autentiche gemme di rock'n'roll texano, grezze, asciutte e, per i tempi, selvagge, che resero il poco più che adolescente Head ed i Traits una delle più importanti realtà della scena rock'n'roll dello Stato della stella solitaria, ancor prima di sfondare a livello nazionale qualche anno dopo. Questa la scaletta: "One More Time" (1959), "Don't Be Blue" (1959), "Live It Up" (1960), "Yes I Do" (1960), "My Baby's Blue" (1960), "Here I Am In Love Again" (1960), "Summertime Love" (1960), "Your Turn To Cry" (1960), "Walking All Day" (1961), "Night Time Blues" (1961), "One More Time" (versione a nome Roy Head, 1965), "Don't Be Blue" (versione a nome Roy Head, 1965), "Little Mama" (1962), "Linda Lou" (1962), "Woe Woe" (1962), "Got My Mojo Working" (1962). Uno dei grandi protagonisti del primo rock'n'roll texano, Roy Head (1941-2020) calcava le scene del proprio Stato ancora giovanissimo, pubblicando il suo primo singolo "One more time" nel 1959; nel corso della sua carriera, capace di sintetizzare rockabilly, r'n'b, soul, country e swamp rock, Head ottenne un primo grandissimo successo solista nel 1965 con il singolo "Treat her right", giunto al secondo posto nella classifica nazionale con il suo esplosivo cocktail fra rock'n'roll e soul, poi negli anni '70 ottenne alcuni buoni successi nell'ambito del country & western. Quale che fosse lo stile con cui si cimentava, Head mantenne sempre la sua energia passionale e diretta, proponendo un personaggio funambolico e scoppiettante nei suoi rinomati concerti.

prima stampa inglese, copertina (con diversi segni di invecchiamento) laminata fronte retro, flipback su due lati sul retro, label marrone con ''deep groove'' in prossimita' del bordo, logo Decca ''unboxed'' argentato in alto, marchi NCB e BIEM in riquadri a sinistra, catalogo LK4224. Pubblicato nel 1957 dalla Decca nel Regno Unito, questo album e' un tributo ai grandi fratelli Dorsey, Tommy e Jimmy, scomparsi rispettivamente nel 1956 e nel 1957. I Dorsey, in particolare Tommy, furono fra i massimi band leaders di orchestre jazz fra gli anni '30 e '40, e Ted Heath, a sua volta ormai uno stimatissimo direttore di big band negli anni '50, rivisita qui una serie di brani associati al repertorio dei due fratelli americani, offrendoci un pregiato set di jazz orchestrale. Questa la scaletta: ''Opus 1'', ''I'll never smile again'', ''Amapola'', ''Melody in F'', ''Oodles and noodles'', ''Well, git it'', ''Song of india'', ''Chlo-e'', ''Green eyes'', ''Quiet please'', ''Marie'', ''Lieberstraum''. Nato a Wandsworth, sobborgo di Londra, Ted Heath (1902-1969) e' stato il piu famoso e riverito band leader di orchestre jazz della Gran Bretagna a meta' '900: la sua big band fu la piu' popolare del Regno Unito nel corso degli anni '50, ma la sua carriera era cominciata molto prima gia' all'inizio degli anni '20. Dopo varie esperienze musicali, nel 1928 Heath entro' nell'orchestra di Bert Ambrose, restandoci fino al 1936: in quegli anni, sotto la guida di Ambrose, imparo' la professione di band leader e divenne il piu' importante trombonista dell'Inghilterra. Verso la fine della seconda guerra mondiale, ispirato da Glenn Miller, Heath mise in piedi una big band all'americana ed inclinata verso la musica jazz, e negli anni post bellici consolido' la sua reputazione come band leader, e nel 1956 effettuo' il suo primo tour degli Stati Uniti. Negli anni '60 fece uso degli innovativi metodi di incisione della Decca, denominati Phase 4 Stereo, e continuo' a mietere successi nel corso del decennio fino a che problemi di salute non rallentarono la sua attivita'.

Vinile doppio, label custom bianca e oro, catalogo 4803053. Edizione vinilica, contenente quattro bonus tracks rispetto a quella su cd ("Enchevêtrement De Spirales / Tam Tam Du Merveilleux", "Réminiscence" ed "Etincelle Qui Relie Deux Nuits / Tam Tam Du Merveilleux", finora del tutto inedite, e "Métamorphose / Fragments Rituels"). Pubblicata nel 2022 dalla Decca, questa antologia compila venti brani composti fra il 1950 ed il 2013 dal geniale musicista francese. Pierre Henry (1927-2017), musicista dall' educazione classica, fu uno dei migliori discepoli dello sperimentatore Pierre Schaeffer (1910-1995); insieme scrissero la rivoluzionaria "Symphonie pour un Homme Seul", registrata nel 1950. Henry diviene celeberrimo come una delle forze più importanti del movimento avanguardista Francese della "musique concrete", che teorizza l'utlizzo di suoni reali, quali i treni sulle rotaie, l'abbaiare dei cani, i passi, etc, al posto degli strumenti tradizionali; tali suoni vengono poi manipolati elettronicamente in una maniera del tutto originale e mai tentata prima, ridefinendo l'idea stessa della musica e ponedo la domanda ''cosa è la musica?'' sia all'ascoltatore che ai musicisti stessi. Il processo ha ispirato in maniera enorme gli artisti a venire di ogni epoca e genere, e Pierre Henry ed il suo maestro, Pierre Schaeffer, sono divenuti miti assoluti e tra gli artisti più citati del secolo scorso. In questa antologia ascoltiamo brani molto celebri come "Psyché rock" e "Une minute éternelle", che la NASA ha spedito nello spazio; in scaletta è presente anche un remix inedito di "Variation pour une porte un soupir", intitolato "Variance". Questa la lista dei brani completa: "Une Minute Eternelle", "Strette / Symphonie Pour Un Homme Seul", "Spirale", "Variance", "Rock Electronique / La Reine Verte", "Enchevêtrement De Spirales / Tam Tam Du Merveilleux", "Communion / Messe De Liverpool", "Prologue / Messe Pour Le Temps Présent", "Psyché Rock / Messe Pour Le Temps Présent", "Danse / Mouvement Rythme Etude", "Crescendo / Kyldex", "Réminiscence", "Noyau Secret / Labyrinthe !", "Machine Danse", "Tunnel De La Mort / Le Fil De La Vie", "Coverdose / Pulsations", "Etincelle Qui Relie Deux Nuits / Tam Tam Du Merveilleux", "Métamorphose / Fragments Rituels", "Final / Utopia Hip-Hop", "Tokyo 2002".

Vinile da 180 grammi, copertina lucida a busta senza codice a barre, label grigia con scritte nere, catalogo DOZ404. Pubblicato nel 2010 dalla Doxy, questo disco contiene due composizioni di Pierre Henry, ''Musique sans titre'' composta nel 1951, e ''Spatiodynamisme'', incisa nel 1954. ''Musique sans titre'' e' considerato uno dei primi esperimenti di Henry con la musica concreta, mentre ''Spatiodynamisme'' e' basata sulle sonorita' di una scultura sonora di Nicholas Schoffer, di cui Henry registro' e manipolo' le sonorita', ispirandosi a ''L'arte dei rumori'' del futurista Luigi Russolo. Questa la scaletta: Musique sans titre: ''Les etoiles'', ''Les vacances'', ''Fete foraine'', ''Andante sacre''', ''Cinquieme mouvement'', ''La guerre''; Spatiodynamisme: ''Spatiodynamisme I'', ''Spatiodynamisme II'', ''Spatiodynamisme III''. Pierre Henry, musicista dall' educazione classica, fu uno dei migliori discepoli dello sperimentatore Pierre Schaeffer (1910-1995); insieme scrissero la rivoluzionaria "Symphonie pour un Homme Seul", registrata nel 1950. Henry diviene celeberrimo come una delle forze piu' importanti del movimento avanguardista Francese della "musique concrete", che teorizza l'utlizzo di suoni reali, quali i treni sulle rotaie, l'abbaiare dei cani, i passi, etc, al posto degli strumenti tradizionali; tali suoni vengono poi manipolati elettronicamente in una maniera del tutto originale e mai tentata prima, ridefinendo l'idea stessa della musica e ponedo la domanda ''cosa e' la musica?'' sia all'ascoltatore che ai musicisti stessi. Il processo ha ispirato in maniera enorme gli artisti a venire di ogni epoca e genere, e Pierre Henry ed il suo maestro, Pierre Schaeffer, sono divenuti miti assoluti e tra gli artisti piu' citati del secolo scorso.

Edizione limitata a 500 copie, numerate sull'adesivo di presentazione apposto sul cellophane, copertina senza codice a barre. Ristampa del 2018 ad opera della Fantome Phonographique, che riproduce l'artwork originario dell'album a 10" ma qui in formato 12". Originariamente pubblicato nel 1959 in Francia dalla Unidisc in formato 10", questo album contiene l'opera "Saint-exupéry", trasposizione in narrazione vocale e musica dell'omonimo libro del 1956 scritto da Luc Estang ed ispirato dalla vita del celebre pilota e scrittore Antoine De Saint Exupéry. Le musiche furono realizzate da Pierre Henry, le parti narrative raccontate dalle voci di una piccola troupe teatrale che includeva l'attore Paul Meurisse, famoso membro della Comedie Francaise. Si tratta quindi di un'opera ibrida, fra letteratura, con le voci narranti in primo piano, e musica sperimentale, costruita da Henry con strumenti elettronici e tecniche di "musique concrete". Pierre Henry, musicista dall' educazione classica, fu uno dei migliori discepoli dello sperimentatore Pierre Schaeffer (1910-1995); insieme scrissero la rivoluzionaria "Symphonie pour un Homme Seul", registrata nel 1950. Henry diviene celeberrimo come una delle forze più importanti del movimento avanguardista Francese della "musique concrete", che teorizza l'utlizzo di suoni reali, quali i treni sulle rotaie, l'abbaiare dei cani, i passi, etc, al posto degli strumenti tradizionali; tali suoni vengono poi manipolati elettronicamente in una maniera del tutto originale e mai tentata prima, ridefinendo l'idea stessa della musica e ponedo la domanda ''cosa è la musica?'' sia all'ascoltatore che ai musicisti stessi. Il processo ha ispirato in maniera enorme gli artisti a venire di ogni epoca e genere, e Pierre Henry ed il suo maestro, Pierre Schaeffer, sono divenuti miti assoluti e tra gli artisti più citati del secolo scorso.

Titolo completo "Symphonie pour un homme seul / Concerto des ambiguites". Ristampa del 2016, in vinile 180 grammi e limitata in 500 copie numerate a mano sul retrocopertina, con copertina diversa rispetto alla prima rara stampa su Philips del 1973. Pioniere della Elettronica ed Avanguardia, fondatore del movimento della musica Concreta Francese, Pierre Schaeffer, un ingegnere sonoro, teorizzava che ogni suono potesse essere musica e fu uno dei primi a sperimentare con i tape looping e i campionatori analogici. Fu anche uno dei primi a registrare su nastro magnetico. Ispirandosi ai futuristi Italiani, empatizzo' il doppio significato del termine "play", intendendo il suonare uno strumento ma anche il divertimento e la soddisfazione che da esso si puo' trarre. Pierre Henry, il grande musicista dall' educazione classica, fu uno dei migliori discepoli di Schaeffer, insieme scrissero questa rivoluzionaria "Symphonie pour un Homme Seul", registrata nel 1950. Nonostante il titolo, non si tratta di una sinfonia in termini classici, ma di una sorta di suite divisa in 12 movimenti, una sorta di collage musicale con frammenti vocali che sono a volte registrati al contrario, ripetuti, accelerati, alternati a suoni quali flauti, passi, porte che sbattono, suoni metallici e un pianoforte preparato. L'importanza dell'opera non risiede comunque soltanto nella sua natura, ma anche nell'influenza enorme che avra' sulle generazioni future di musicisti di diversa estrazione. Symphonie pour un Homme Seul, dopo mezzo secolo dalla sua uscita, continua a suscitare meraviglia e rimane uno dei piu' importanti pezzi della musica del novecento. Il lato ''Concerto'' rivela l'approccio di Henry con le dissonanze, generando un impatto sonoro che riproduce l'inquinamento sonoro dei tempi moderni. Ecco la lista del materiale incluso: Lato A - 12 mouvements: Prosopope I - Partita - Valse - Erotica - Scherzo - Collectif - Prosopope II - Eroica - Apostrophe - Intermezzo - Cadence - Strette; Lato B - 8 mouvements: Tendu - Epars - Diffus - Concis - Interm?de - Cadence - Etendu - Rassemble.

Ristampa del 2022, limitata in 1000 copie, rimasterizzata ed in vinile 180 grammi, con copertina senza barcode, pressoche' identica alla prima tiratura. Originariamente pubblicato nel 1956 dalla Blue Note, inciso al Rudy Van Gelder Studio di Hackensack, New Jersey, il 28 luglio del 1956, da Jutta Hipp (pianoforte), Jerry Lloyd (tromba), Zoot Sims (sax tenore), Ahmed Abdul Malik (contrabbasso) ed Ed Thigpen (batteria). Uno dei pochissimi album della pianista tedesca che, qui accompagnata dal grande sassofonista Zoot Sims, offre sei brani di caldo e fluente jazz melodico, che vanno dai ritmi lenti e dalle melodie languide e soavi di una splendida ''Violets for furs'' al groove festoso ed agile di ''Just blues'' e ''Down home''. Questa la scaletta completa: ''Just blues'', ''Violets for furs'', ''Down home'', ''Almost like being in love'', ''Wee-dot'', ''Too close for comfort''. Originaria di Lipsia, la pianista tedesca Jutta Hipp (1925-2003) e' ricordata per uno stile personale che pero' e' stato da piu' parti accostato a quello di Horace Silver. Si accosto' al jazz clandestinamente durante il regime nazista, che ovviamente osteggiava questo genere musicale, quindi suono' in Germania fra la seconda meta' degli anni '40 ed i primi '50, guidando un suo quintetto fra il 1953 ed il 1955, e facendosi notare da Leonad Feather, pianista e critico jazz, che favori' il suo trasferimento a New York, dove suono' spesso alla Hickory House ed incise tre album per la Blue Note, l'ultimo dei quali la vedeva accompagnata dal sassofonista Zoot Sims (1956), poco dopo pero' la Hipp abbandono' quasi totalmente la scena musicale, dedicandosi alla pittura e lavorando poi per decenni nel settore tessile, sempre negli Stati Uniti. Col tempo si era talmente allontanata dal mondo musicale che nel 2000 la Blue Note non sapeva piu' dove inviare le royalties a lei dovute; tre anni dopo mori' nel Queens, a New York, dove aveva vissuto in solitudine.

Copia ancora sigillata nel cellophane, ma con una leggera piega sull'angolo superiore sinistro della copertina, prima stampa europea, label rossa con scritte nere, catalogo JD113. Pubblicato nel 2016 dalla Jeanne Dielman, questo album compila registrazioni effettuate nel 1959 dal grande musicista folk americano, sotto la supervisione del musicologo John Cohen. Un classico del folk appalachiano, in cui emergono il caratteristico stile vocale di Holcomb, spesso in un penetrante ed al tempo stesso malinconico falsetto, sostenuto da ipnotiche e penetranti melodie di banjo. Qui di seguito la scaletta. SIDE 1: 1. Across The Rocky Mountain 2. Graveyard Blues 3. Cripple Creek 4. True Love 5. Coney Island 6. Baby Let Your Hair Roll Down SIDE 2: 1. Wayfaring Stranger 2. Stingy Woman 3. East Virginia Blues 4. Single Girl 5. Black Eyed Susie 6. Hills Of Mexico. Considerato uno dei massimi esponenti del folk americano, in particolare quello degli Appalachi, Roscoe Holcomb (1912-1981) proveniva dalla cittadina di Daisy, nel Kentucky. Holcomb canto' a lungo per passione, senza ambizioni professionistiche, lavorando come minatore o contadino, fino a che non effettuo' le sue prime incisioni alla fine degli anni '50, diventando nei due decenni successivi uno dei piu' rinomati interpreti del folk appalachiano, con il suo stile vocale che univa un timbro molto acuto con toni spesso malinconici; Bob Dylan e' fra i suoi estimatori.

Ristampa in vinile da 180 grammi, rimasterizzata con sistema DMM (Direct Metal Mastering), copertina pressoche' identica sul fronte alla prima tiratura, con note supplementari sul retro e con una bonus track (''Moonlight on Vermont'', incisa il 3/1/57, posta alla fine della seconda facciata). Originariamente pubblicato nel 1959 dalla Verve, inciso in varie sessioni a Hollywood, California, il 14 ed il 18 agosto del 1956 ed il 3, 7 ed 8 gennaio del 1957, con formazione composta da Billie Holiday (voce), Ben Webster (sax tenore), Harry Edison (tromba), Jimmy Rowles (pianoforte), Barney Kessel (chitarra), Joe Mondragon (contrabbasso) e Red Mitchell (contrabbasso). Si tratta di una apprezzata raccolta che presenta alcune delle migliori incisioni effettuate dalla cantante per la Verve, con un gruppo di supporto di notevole livello. Holiday, qui fra blues e jazz e con una voce che appare in ottima forma, regala alcune intense performance caratterizzate dal suo unico stile vocale. Questa la scaletta: ''Do nothin' till you hear from me'', ''Cheek to cheek'', ''Ill wind'', ''Speak low'', ''I wished on the moon'', ''But not for me'', ''All or nothing at all'', ''We'll be together again'', ''Sophisticated lady'', ''April in Paris'', ''Say it isn't so'', ''Love is here to stay'', ''Moonlight on vermont'' (bonus track). Una delle piu' grandi cantanti della storia del jazz e della musica afroamericana in generale, Billie Holiday (1915-1959) e' ricordata anche per il suo stile personale ed inconfondibile, a suo agio soprattutto con lente ballads pianistiche; la sua vita, breve e consumata dagli eccessi come da tristi vicende personali, era riflessa nelle sue canzoni, contraddistinte dal suo canto sensuale e malinconico.

ristampa in vinile da 180 grammi, rimasterizzata, copertina pressoche' identica sul fronte a quella della originaria rara tiratura, ma con note e foto supplementari sul retro e con un brano aggiunto per l' occasione: una seconda versione di "Comes Love", registrata nelle stesse sessions dell' album. Originariamente pubblicato dalla Verve, inciso ai Capitol Studios di Los Angeles in quattro sessioni, il 3, 4, 7 e 9 gennaio del 1957, con formazione composta da Billie Holiday (voce), Harry Edison (tromba), Ben Webster (sax tenore), Jimmy Rowles (pianoforte), Barney Kessel (chitarra), Alvin Stoller (batteria) e Red Mitchell (contrabbasso). La grande cantante, qui purtroppo negli ultimi anni di vita, in un momento in cui le traversie esistenziali le avevano ormai tolto la forma migliore, e' capace tuttavia di creare alcune perle. Questa la scaletta: ''Body and soul'', ''They can't take that away from me'', ''Darn that dream'', ''Let's call the whole thing off'', ''Comes love'', ''Gee, baby, ain't I good to you'',

ristampa in vinile 180 grammi, originariamente allegata alla pubblicazione "Jazz 33 Giri" del 2011 distribuita nel circuito delle edicole, copertina senza barcode (con adesivo metallizzato Siae sul retro), pressoche' identica a quella della prima molto rara tiratura su Riverside, etichetta rossa e nera "Columbia 6 Eyes". Accreditato a Billie Holiday / Ray Ellis and His Orchestra, pubblicato dalla Columbia nel 1958, ''Lady in satin'' e' uno dei dischi piu' controversi della grande cantante afroamericana: la morte prematura l'avrebbe colta di li' a poco, e Billie cantava con una voce distrutta dai dolori di un'esistenza disordinata e difficile, e questo emerge nel tono del suo canto, che esprime stanchezza e male di vivere. Incise con Ray Ellis e la sua orchestra, che creano uno strano contrasto con le loro melodie levigate ed eteree in confronto alla voce rauca e vissuta di Billie Holiday, le registrazioni di ''Lady in satin'' furono indicate dalla stessa cantante come le sue preferite. Questa la scaletta: ''I'm a fool to want you'', ''For heaven's sake'', ''You don't know what love is'', ''I get along without you very well'', ''For all we know'', ''Violets in your furs'', ''You've changed'', ''It's easy to remember'', ''But beautiful'', ''Glad to be unhappy'', ''I'll be around''. Una delle piu' grandi cantanti della storia del jazz e della music afroamericana in generale, Billie Holiday (1915-1959) e' ricordata anche per il suo stile personale ed inconfondibile, a suo agio soprattutto con lente ballads pianistiche; la sua vita, breve e consumata dagli eccessi come da tristi vicende personali, era riflessa nelle sue canzoni, contraddistinte dal suo canto sensuale e malinconico.

Ristampa in vinile 180 grammi, rimasterizzata con sistema DMM (Direct Metal Mastering), copertina pressoche' identica sul fronte alla prima tiratura uscita originariamente su Clef Records nel 1956, con note e foto supplementari sul retro, e con l' aggiunta del brano "PS I Love You" tratto dalle stesse sessions. Questo classico album fu inciso in tre sessioni con diverse formazioni, di cui riportiamo i dettagli piu' avanti. Il titolo dell'album e' lo stesso della famosa autobiografia della cantante, pubblicata nello stesso anno. Considerato da alcuni uno degli ultimi dischi classici di Billie Holiday, con la presenza tra gli altri brani di una rabbrividente "Strange Fruit", vede la presenza di accompagnatori di eccezionale livello come Tony Scott, Wynton Kelly e Kenny Burrell. I brani ''Lady sings the blues'', ''Trav'lin' light'', ''I must have that man'', ''Some other spring'' furono incisi a New York il 6 giugno del 1956, con formazione composta da Charlie Shavers (tromba), Tony Scott (clarinetto, arrangiamenti), Paul Quinichette (sax tenore), Wynton Kelly (pianoforte), Kenny Burrell (chitarra), Aaron Bell (contrabbasso), Lenny McBrowne (batteria) e Billie Holiday (voce); i brani ''Strange fruit'', ''No good man'', God bless the child'' e ''Good morning heartache'' furono incisi a New York il 7 giugno del 1956 con formazione composta da Charlie Shavers (tromba), Tony Scott (clarinetto, arrangiamenti), Paul Quinichette (sax tenore), Wynton Kelly (pianoforte), Kenny Burrell (chitarra), Aaron Bell (contrabbasso), Lenny McBrowne (batteria) e Billie Holiday (voce); i brani ''Love me or leave me'', ''Too marvelous for words'', ''Willow weep for me'' e ''I thought about you'' furono incisi a Los Angeles il 3 settembre del 1954 con formazione composta da Harry Edison (tromba), Willie Smith (sax alto), Bobby Tucker (pianoforte), Barney Kessel (chitarra), Red Callender (contrabbasso), Chico Hamilton (batteria) e Billie Holiday (voce). Una delle piu' grandi cantanti della storia del jazz e della music afroamericana in generale, Billie Holiday (1915-1959) e' ricordata anche per il suo stile personale ed inconfondibile, a suo agio soprattutto con lente ballads pianistiche; la sua vita, breve e consumata dagli eccessi come da tristi vicende personali, era riflessa nelle sue canzoni, contraddistinte dal suo canto sensuale e malinconico.

ristampa in vinile da 180 grammi, copertina pressoche' identica sul fronte alla prima tiratura, con note e foto supplementari sul retro, e un brano aggiunto per l' occasione ("If the moon turns green", tratta dalle stesse sessions dell' album). Originariamente pubblicato nel 1956 dalla Clef, questo album contiene gli otto brani dello storico 10'' ucito nel 1952 sempre su Clef, con il titolo di ''Billie Holiday sings'', tre brani tratti dal 10" "Billie Holiday", ancora su Clef, cosi' come pure il 10" "An Evening With Billie Holiday" da cui e' tratto un ulteriore brano. Materiale inciso a Los ANgeles in tre differenti sessions durante il 1952: il 26 marzo, nell'aprile (giorno ignoto) ed il 27 luglio, con formazione composta da Billie Holiday (voce), Charly Shavers (tromba), Flip Philips (sax tenore), Oscar Peterson (pianoforte), Barney Kessel (chitarra), Ray Brown (contrabbasso) ed Alvin Stoller (batteria) nella prima session, dalla stessa formazione con J.C. Heard alla batteria a posto di Stoller in aprile, e da Billie Holiday (voce), Joe Newman (tromba), Paul Quinichette (sax tenore), Oscar Peterson (piano ed organo), Freddie Green (chitarra), Gus Johnson (batteria) e Ray Brown (basso) nell' ultima session. Lavoro inciso con una formazione di alto livello, ed in un periodo nel quale i problemi di alcol e droga non sembravano ancora pesare sulle sue performance vocali, questo lp e' considerato uno dei migliori degli ultimi anni della carriera di Billie Holiday, che ci consegna qui un set di brani dai toni malinconici e sensuali, permeati sovente da un senso di solitudine. Questa la scaletta: ''East of the sun'', ''Blue moon'', ''You go to my head'', ''You turned the tables on me'', ''Easy to love'', ''These foolish things'', ''I only have eyes for you'', ''Solitude'', ''Everything I have is yours'', ''Love for sale'', ''Moonglow'', ''Tenderly''. Una delle piu' grandi cantanti della storia del jazz e della musica afroamericana in generale, Billie Holiday (1915-1959) e' ricordata anche per il suo stile personale ed inconfondibile, a suo agio soprattutto con lente ballads pianistiche; la sua vita, breve e consumata dagli eccessi come da tristi vicende personali, era riflessa nelle sue canzoni, contraddistinte dal suo canto sensuale e malinconico.

Edizione limitata in vinile da 180 grammi, copertina a busta. Ristampa del 2011 ad opera della Waxtime, pressoche' identica alla prima tiratura ma con due bonus track (''Comes love'' e ''Moonlight on Vermont'', tratte dalle stesse sessioni del resto dell'album). Originariamente pubblicato nel 1958 dalla Verve, inciso a Hollywood in California il primo, il 3, 4 e l'8 gennaio del 1957, con formazione composta da Billie Holiday (voce), Ben Webster (sax tenore), Harry Edison (tromba), Jimmy Rowles (pianoforte), Barney Kessel (chitarra), Red Mitchell (contrabbasso) ed Alvin Stoller (batteria). La grande cantante, ormai prossima alla morte (avvenuta circa due anni dopo) e con una voce logorata, ci consegna tuttavia performance molto intense e non prive di momenti brumosi, sostenute da un complesso musicale di alto livello. Questa la scaletta: ''Day in, day out'', ''A foggy day'', ''Stars fell on Alabama'', ''Comes love'', ''One for my baby'', ''Just one of those things'', ''I didn't know what time it was'', ''Moonloght on Vermont''. Una delle piu' grandi cantanti della storia del jazz e della musica afroamericana in generale, Billie Holiday (1915-1959) e' ricordata anche per il suo stile personale ed inconfondibile, a suo agio soprattutto con lente ballads pianistiche; la sua vita, breve e consumata dagli eccessi come da tristi vicende personali, era riflessa nelle sue canzoni, contraddistinte dal suo canto sensuale e malinconico.

Ristamap del 1985, copertina lucida senza barcode, pressata in Olanda, etichetta rossa con scritte e logo neri, catalogo 201185 (con prefisso MA sulla copertina), data incisa sul trail off "20-11-85". Pubblicata per la prima volta nel 1979, solo omonima della raccolta dallo stesso titolo pubblicata dalla Coral nel 1969, questa include tredici brani registrati tra il 1954/55 ed il 1959, provenienti da 78 giri o 45 giri ormai rarissimi, o addirittura assolutamente inediti, coprendo tutto l' arco della storia artistica, davvero troppo breve, del grande rockers texano di Lubbock, Texas, partendo da una registrazione effettuata tra il 54 ed il 55 in compagnia di Bob Montgomery, con cui Holly (all' epoca ancora Charles Hardin "Buddy" Holley) si affaccio alla prima notorieta' locale conducendo uno show radiofonico che, prima indirizzato ad un pubblico "maturo", molto "country oriented", si oriento' sempre di piu' verso una musica piu' selvaggia e rock'n'roll divenendo un culto presso i giovani locali. Ecco la lista completa dei brani: 1. Part of Early in the Morning 2. Learning the Game 3. TV-Special With Dick Clark: It's So Easy" 4. Flower of My Heart: Buddy & Bob 5. That'll Be The Day/Peggy Sue/Oh Boy 6. Maybe Baby 7. Part From a Special With Dosc-Jockey Dale Owery From KTOP Topeka Kansas 8. Rip it up 9. Love is Strange 10. Gone 11. You're the One 12. A Tribute to Buddy Holly a)Thet'll be the day b) Maybe Baby c) Every Day d) Keep A Knockin' e)Well All Right f) Oh Boy 13. (Ummm, Oh Yeah) Dearest. Buddy Holly, da solo e con i Crickets che lo accompagnarono nella sua piu' esaltante stagione musicale, e' stato uno degli artisti piu' importanti di tutti i tempi, influenza a dir poco fondamentale per innumerevoli artisti e gruppi anche e soprattutto negli anni '60, iniziatore di una vera e propria scuola musicale che ha avuto come massimi rappresentanti i Beatles ed i Beach Boys, in contrapposizione ad un approccio piu' nero e blues che da Chuck Berry trovera' i suoi discepoli nei Rolling Stones e negli Animals. Il suo e' uno stile ancora vivo e palpitante di una irrefrenabile carica energetica e di modernita', assolutamente incredibile oggi come oltre 50 anni fa. Uno dei punti fermi assoluti della musica rock, autore di innumerevoli brani divenuti dei classici quali ''Not fade away'', ''Maybe baby'', ''That'll be the day'', ''Rock me my baby''.

registrazioni rimasterizzate in DMM, raccoglie brani usciti come solista o con i Crickets: 1. That'll Be the Day 2. Peggy Sue 3. Oh, Boy! 4. Maybe Baby 5. Listen To Me 6. Rave On 7. Think It Over 8. Fool's Paradise 9. Early In the Morning 10. Heartbeat 11. It Doesn't Matter Anymore 12. Raining In My Heart 13. Midnight Shift 14. Peggy Sue Got Married 15. True Love Ways 16. Learning the Game 17. What To Do 18. (You're So Square) Baby I Don't Care 19. Valley of Tears. Tra il 54 ed il 55 in compagnia di Bob Montgomery Charles Hardin "Buddy" Holley si affaccio' alla prima notorieta' locale conducendo uno show radiofonico che, prima indirizzato ad un pubblico "maturo", molto "country oriented", si oriento' sempre di piu' verso una musica piu' selvaggia e rock'n'roll divenendo un culto presso i giovani locali. Presto, da solo e con i Crickets che lo accompagnarono nella sua piu' esaltante stagione musicale, la sua musica ne avrebbe fatto uno degli artisti piu' importanti di tutti i tempi, influenza a dir poco fondamentale per innumerevoli artisti e gruppi anche e soprattutto negli anni '60, iniziatore di una vera e propria scuola musicale che ha avuto come massimi rappresentanti i Beatles ed i Beach Boys, in contrapposizione ad un approccio piu' nero e blues che da Chuck Berry trovera' i suoi discepoli nei Rolling Stones e negli Animals. Il suo e' uno stile ancora vivo e palpitante di una irrefrenabile carica energetica e di modernita', assolutamente incredibile oggi come oltre 50 anni fa. Uno dei punti fermi assoluti della musica rock, autore di innumerevoli brani divenuti dei classici.

Seconda stampa europea, pressata in Germania, copertina lucida senza barcode, copia distribuita in Italia a scopo promozionale con "Omaggio Vendita Vietata" punzonato sulla copertina in alto a destra, etichetta azzurra con nuvole ed arcobaleno, catalogo 250 798-1. Pubblicata nel 1981 sia con titolo "20 Love Songs" che con titolo "Love Songs", questa raccolta contiene venti brani, scelti nel vasto repertorio del grande rocker americano tra quelli che tenessero fede al "concept" del titolo. Se ne trae il lato piu' "gentile" e romantico del grande e compianto rocker texano, con pezzi pezzi talora poco noti della sua produzione. Questa la scaletta: True Love Ways / Everyday / Listen To Me / You've Got Love / Earning The Game / Send Me Some Lovin' / Love Is Strange / That's What They Say / Because I Love You / Raining In My Heart / Heartbeat / Moondreams / Take Your Time / Dearest / Look At Me / You're The One / Wishing / It Does'nt Matter Anymore / What To Do / Words Of Love. Buddy Holly (1936-1959) è stato uno dei maestri assoluti della nuova musica popolare del '900 emersa con il rock'n'roll. Tra il 1954 ed il 1955, in compagnia di Bob Montgomery, Charles Hardin Holley (aka Buddy Holly) si affacciò alla prima notorietà locale conducendo uno show radiofonico che, prima indirizzato ad un pubblico "maturo", molto "country oriented", si orientò sempre di piu' verso una musica più selvaggia e rock'n'roll divenendo un culto presso i giovani locali. Presto, da solo e con i Crickets che lo accompagnarono nella sua più esaltante stagione musicale, la sua musica ne avrebbe fatto uno degli artisti più importanti di tutti i tempi, influenza a dir poco fondamentale per innumerevoli artisti e gruppi anche e soprattutto negli anni '60, iniziatore di una vera e propria scuola musicale che ha avuto come massimi rappresentanti i Beatles ed i Beach Boys, in contrapposizione ad un approccio più afroamericano e blues che, partendo da Chuck Berry, troverà i suoi discepoli nei Rolling Stones e negli Animals. Il suo è uno stile ancora vivo e palpitante di una irrefrenabile carica energetica e di modernità, assolutamente incredibile oggi come oltre negli anni '50 del Novecento. Uno dei punti fermi assoluti della musica rock, autore di innumerevoli brani divenuti dei classici.

prima stampa inglese in mono, copertina (con leggeri segni di usura) laminata sul fronte e flipback su due lati sul retro, con printer Robert Stace e "laminated with Clarifoil..." sul retro, etichetta nera ed argento con "deep groove", con "Recording First published..." a destra, e senza l'anno di pubblicazione in basso, catalogo LVA9212. Pubblicata nel febbraio del 1963 dalla Coral, giunta al secondo posto in classifica nel Regno Unito ed alla 40esima posizione negli USA, questa antologia è una delle prime postume dedicate al grande musicista texano. "Reminiscing" contiene undici tracce inedite registrate da Holly fra il 1956 ed il 1959, alcune sotto forma di demos, altre in versioni più complete; questi brani furono poi fatti oggetto di sovraincisioni in studio nel 1962, per mano dei Fireballs, storico gruppo rock'n'roll del New Mexico, sotto la supervisione di Norman Petty, e quindi pubblicati nell'album in questione. Ne risulta un sound orientato al rockabilly (il pezzo "Bo Diddley", cover dell'omonimo artista, riprende anche il suo caratteristico stomp rock'n'roll / r'n'b), ed anche un poco ammodernato rispetto a quello degli anni '50, ma comunque suonato dai Fireballs con gusto e senza invadenza, lasciando la splendida voce di Buddy come protagonista. Questa la scaletta: "Reminiscing", "Slippin' And Slidin'", "Bo Diddley", "Wait Till The Sun Shines Nellie", "Baby, Won't You Come Out Tonight", "Brown Eyed Handsome Man", "Because I Love You", "It's Not My Fault", "I'm Gonna Set My Foot Down", "Changing All Those Changes", "Rock-A-Bye-Rock". Buddy Holly (1936-1959) è stato uno dei maestri assoluti della nuova musica popolare del '900 emersa con il rock'n'roll. Tra il 1954 ed il 1955, in compagnia di Bob Montgomery, Charles Hardin Holley (aka Buddy Holly) si affacciò alla prima notorietà locale conducendo uno show radiofonico che, prima indirizzato ad un pubblico "maturo", molto "country oriented", si orientò sempre di piu' verso una musica più selvaggia e rock'n'roll divenendo un culto presso i giovani locali. Presto, da solo e con i Crickets che lo accompagnarono nella sua più esaltante stagione musicale, la sua musica ne avrebbe fatto uno degli artisti più importanti di tutti i tempi, influenza a dir poco fondamentale per innumerevoli artisti e gruppi anche e soprattutto negli anni '60, iniziatore di una vera e propria scuola musicale che ha avuto come massimi rappresentanti i Beatles ed i Beach Boys, in contrapposizione ad un approccio più afroamericano e blues che, partendo da Chuck Berry, troverà i suoi discepoli nei Rolling Stones e negli Animals. Il suo è uno stile ancora vivo e palpitante di una irrefrenabile carica energetica e di modernità, assolutamente incredibile oggi come oltre negli anni '50 del Novecento. Uno dei punti fermi assoluti della musica rock, autore di innumerevoli brani divenuti dei classici.

Doppio album, copertina apribile, catalogo VP 80709. Pubblicata nel 2014 dalla Vinyl Passion, questa bella raccolta compila trentasei classicissimi brani del grandissimo bluesman, una carrellata che e' quasi una storia tascabile del blues elettrico d'alta scuola, espresso da Hooker con un approccio minimale e scarno ma di una potenza emotiva dirompente. Questa la scaletta: ''Boogie chillun'', ''Sally mae'', ''Hoogie boogie'', ''Hobo blues'', ''Crawlin' king snake'', ''Huckle up baby'', ''Mad man blues'', ''Ground hog blues'', ''Louise'', ''I'm in the mood'', ''Walkin' the boogie'', ''Sugar mama'', ''Leave my wife alone'', ''High priced woman'', ''Please don't go'', ''It's my own fault'', ''Unfriendly woman'', ''Baby lee'', ''Dimples'', ''Trouble blues'', ''I'm so excited'', ''Crawlin' black spider'', ''I love you honey'', ''Maudie'', ''Whiskey and wimmen'', ''No shoes'', ''Tupelo'', ''Boom boom'', ''Blues before sunrise'', ''Let's make it'', ''Want ad blues'', ''I'm mad again'', ''Onions'', ''Send me your pillow'', ''This is hip'', ''It serves me right to suffer''. Una delle figure fondamentali della storia del blues, John Lee Hooker (1917-2001) nasce a Clarkdale nel Mississippi, da una famiglia religiosa che lo porta a contatto con gli spiritual e, successivamente, il patrigno Will Moore lo introduce al blues e lo influenza con il proprio stile. In gioventu' vive al sud, in particolare a Cincinnati, prima di trasferirsi a Detroit nel 1943, dove comincia a farsi un nome con il suo stile ipnotico, un personalissimo senso del ritmo ed una voce ruvida e profonda. Poco dopo si cimenta anche con la chitarra elettrica, dando alle stampe uno dei suoi brani piu' celebri, l'abrasiva e primitiva ''Boogie chillen'', nel 1948. L'attivita' di hooker fra gli anni '40 ed i '50 e' di grande importanza per la crescita del blues, in quanto costruisce un ponte fra il vecchio blues acustico del sud ed il nuovo blues elettrico delle metropoli del nord. Prima di accasarsi presso la Vee Jay nel 1955 e di dare quindi inizio al suo periodo di maggiore fama, Hooker incide per una miriade di etichette sotto molteplici pseudonimi al fine di evitare le limitazioni contrattuali. L'attivita' prosegue nei decenni successivi, rendendolo una leggenda vivente del blues, ispiratore anche di molti gruppi rock inglesi come Animals e Yardbirds, fino alla scomparsa avvenuta nel 2001.

Ristampa del 2023, rimasterizzata con sistema DMM (Direct Metal Mastering) in vinile 180 grammi, fronte della copertina pressoche' identico a quella della prima rara tiratura, con note e foto supplementari sul retro, e quattro tracce aggiunte per l' occasione: "Crawlin' King Snake", registrata il 22 gennaio del 1959 senza alcun accompagnamento, "I Can't Believe", anche questa registrata senza accompagnamento, nel marzo del 1960, "Worried Life Blues", registrata sempre in solitudine sul finire del 1952, e "Tupelo", registrata dal vivo al Newport Folk Festival il 25 giugno del 1960. Originariamente pubblicato dalla Riverside in alcuni paesi europei nel 1959, non uscito all'epoca negli USA (dove venne pubblicato solo nel 1992), questo album e' frutto di una sessione di registrazione effettuata dal solo Hooker (voce e chitarra acustica) agli United Recorders di Detroit, il 20 aprile del 1959. Una sorpresa dal grande bluesman, che in piena era Chicago blues elettrico incide un album completamente acustico che si ricollega alle radici del blues rurale del Sud, che lo Stesso Hooker possedeva; la sua voce profonda ha sempre avuto un qualcosa di ancestrale e senza tempo, ed anche il suo stile chitarristico, minimale e moderno, si adatta comunque bene al ''vecchio'' blues acustico. Questa la scaletta: ''Burnin' hell'', ''Graveyard blues'', ''Baby, please don't go'', ''Jackson, tennessee'', ''You live your life and I'll live mine'', ''Smokestack lightnin''', ''How can you do it?'', ''I don't want no woman if her hair ain't no longer than mine'', ''I rolled and turned and cried the whole night long'', ''Blues for my baby'', ''Key to the highway'', ''Natchez fire (Burnin')''. Una delle figure fondamentali della storia del blues, John Lee Hooker (1917-2001) nasce a Clarkdale nel Mississippi, da una famiglia religiosa che lo porta a contatto con gli spiritual e, successivamente, il patrigno Will Moore lo introduce al blues e lo influenza con il proprio stile. In gioventu' vive al sud, in particolare a Cincinnati, prima di trasferirsi a Detroit nel 1943, dove comincia a farsi un nome con il suo stile ipnotico, un personalissimo senso del ritmo ed una voce ruvida e profonda. Poco dopo si cimenta anche con la chitarra elettrica, dando alle stampe uno dei suoi brani piu' celebri, l'abrasiva e primitiva ''Boogie chillen'', nel 1948. L'attivita' di hooker fra gli anni '40 ed i '50 e' di grande importanza per la crescita del blues, in quanto costruisce un ponte fra il vecchio blues acustico del sud ed il nuovo blues elettrico delle metropoli del nord. Prima di accasarsi presso la Vee Jay nel 1955 e di dare quindi inizio al suo periodo di maggiore fama, Hooker incide per una miriade di etichette sotto molteplici pseudonimi al fine di evitare le limitazioni contrattuali. L'attivita' prosegue nei decenni successivi, rendendolo una leggenda vivente del blues, ispiratore anche di molti gruppi rock inglesi come Animals e Yardbirds, fino alla scomparsa avvenuta nel 2001.

Ristampa del 2024, in vinile 180 grammi, copertina pressoche' identica sul fronte a quella della rara versione del disco uscita nel 1969 in Francia su Goody, completamente diversa quindi dalle versioni uscite nel 1962 in Usa (su Crown) ed in Canada (su United Superior), e con cinque tracce aggiunte per l' occasione: "I Need Love So Bad" (registrazione effettuata il 18 ottobre 1954 dal solo Hooker), "No More Doggin' " (9 febbraio 1960), "Boogie Chillen" (registrata dal solo Hooker nel settembre 1948), "Moon Is Rising" (registrata dal solo Hooker nel dicembre 1950), "Dimples" (27 marzo 1956). L' album originario includeva undici tracce incise da John Lee Hooker nel 1954 (con l'eccezione di ''Rock house boogie'', risalente al 1952), accompagnato qui dal secondo chitarrista Eddie Kirkland (e nel brano "SHake, Holler and Run" da una vera e propria band). I brani qui inclusi, non sono probabilmente fra quelli piu' famosi del grande bluesman, e lo vedono cimentarsi con la sua chitarra elettrica nel suo classico blues mantrico, profondo ed a tratti spettrale. Questa la scaletta: ''Baby I'm gonna miss you'', ''Half a stranger'', ''Shake holler and run'', ''Down child'', ''Gotta boogie'', ''Bad boy'', ''Rock house boogie'', ''Let's talk it over'', ''Baby you ain't no good'', ''Lookin' for a woman''. Una delle figure fondamentali della storia del blues, John Lee Hooker (1917-2001) nasce a Clarkdale nel Mississippi, da una famiglia religiosa che lo porta a contatto con gli spiritual e, successivamente, il patrigno Will Moore lo introduce al blues e lo influenza con il proprio stile. In gioventu' vive al sud, in particolare a Cincinnati, prima di trasferirsi a Detroit nel 1943, dove comincia a farsi un nome con il suo stile ipnotico, un personalissimo senso del ritmo ed una voce ruvida e profonda. Poco dopo si cimenta anche con la chitarra elettrica, dando alle stampe uno dei suoi brani piu' celebri, l'abrasiva e primitiva ''Boogie chillen'', nel 1948. L'attivita' di hooker fra gli anni '40 ed i '50 e' di grande importanza per la crescita del blues, in quanto costruisce un ponte fra il vecchio blues acustico del sud ed il nuovo blues elettrico delle metropoli del nord. Prima di accasarsi presso la Vee Jay nel 1955 e di dare quindi inizio al suo periodo di maggiore fama, Hooker incide per una miriade di etichette sotto molteplici pseudonimi al fine di evitare le limitazioni contrattuali. L'attivita' prosegue nei decenni successivi, rendendolo una leggenda vivente del blues, ispiratore anche di molti gruppi rock inglesi come Animals e Yardbirds, fino alla scomparsa avvenuta nel 2001.

ristampa in vinile 180 grammi, rimasterizzata con sistema DMM (direct Metal Mastering), copertina pressoche' identica sul fronte a quella della prima rara tiratura, con note e foto supplementari sul retro e con due tracce aggiunte per l' occasione ("Baby You Ain't No Good" e "Bad Boy", registrate a Detroit, Michigan, nel 1954). Queste le note relative all' album nella sua forma originaria: Originariamente pubblicato nel 1960 dalla Chess, il primo album di Hooker ad uscire per la storica etichetta di Chicago, precedente ''Plays and sings the blues'' (1961). Uno dei pochi apprezzati lp su Chess di Hooker, questo album raccoglie dodici brani incisi fra il 1951 ed il 1954, fra i quali troviamo i sei dei suoi tre singoli usciti per la label di Phil e Leonard fra il 1952 ed il 1954. Troviamo qui alcuni importanti episodi quali ''Sugar mama'' e ''Ramblin' by myself''. Questa la scaletta: ''Walkin' the boogie'', ''Love blues'', ''Union station blues'', ''It's my own fault'', ''Leave my wife alone'', ''Ramblin' by myself'', ''Sugar mama'', ''Down at the landing'', ''Louise'', ''Ground hog blues'', ''High priced woman'', ''Women and money''. Una delle figure fondamentali della storia del blues, John Lee Hooker (1917-2001) nasce a Clarkdale nel Mississippi, da una famiglia religiosa che lo porta a contatto con gli spiritual e, successivamente, il patrigno Will Moore lo introduce al blues e lo influenza con il proprio stile. In gioventu' vive al sud, in particolare a Cincinnati, prima di trasferirsi a Detroit nel 1943, dove comincia a farsi un nome con il suo stile ipnotico, un personalissimo senso del ritmo ed una voce ruvida e profonda. Poco dopo si cimenta anche con la chitarra elettrica, dando alle stampe uno dei suoi brani piu' celebri, l'abrasiva e primitiva ''Boogie chillen'', nel 1948. L'attivita' di hooker fra gli anni '40 ed i '50 e' di grande importanza per la crescita del blues, in quanto costruisce un ponte fra il vecchio blues acustico del sud ed il nuovo blues elettrico delle metropoli del nord. Prima di accasarsi presso la Vee Jay nel 1955 e di dare quindi inizio al suo periodo di maggiore fama, Hooker incide per una miriade di etichette sotto molteplici pseudonimi al fine di evitare le limitazioni contrattuali. L'attivita' prosegue nei decenni successivi, rendendolo una leggenda vivente del blues, ispiratore anche di molti gruppi rock inglesi come Animals e Yardbirds, fino alla scomparsa avvenuta nel 2001.

Prima stampa USA, vinile doppio, copertina cartonata apribile, etichetta rossa con il logo Columbia color arancio ripetuto sei volte lungo il perimetro, scritte nere al centro, catalogo G30884. Pubblicata nel 1971, la splendida antologia che compila venti dei più importanti brani incisi da Horton per la Columbia, con la quale trascorse il suo periodo di maggiore successo, fra il 1956 ed il 1960, prima della prematura morte, ottenendo hits da top ten in classifica country come "Honky-tonk man" e "I'm coming home" (qui presenti in scaletta ma in versioni rimaneggiate per adattarle al formato stereofonico), e proseguendo con gli enormi successi "The battle of new orleans", "Sink the bismarck" e "North to alaska", tutte giunte nella top 5 della classifica generale billboard hot 100, e tutte qui incluse. Un sentiero di pietre miliari sul terreno della musica honky tonk. Questa la scaletta: "The Battle Of New Orleans", "When It's Springtime In Alaska (It's Forty Below)", "Johnny Reb", "Sink The Bismarck", "North To Alaska", "Rock Island Line", "All For The Love Of A Girl", "Whispering Pines", "The First Train Heading South", "Lost Highway", "The Golden Rocket", "Got The Bull By The Horns", "Johnny Freedom ("Freedomland")", "John Paul Jones", "Young Abe Lincoln (Make A Tall, Tall Man)", "The Battle Of Bull Run", "The Sinking Of Reuben James", "I'm Ready, If You're Willing", "Honky-Tonk Man", "I'm Coming Home". Ricordato per le sue canzoni di ambientazione storica, Johnny Horton (1925-1960) e' stato uno dei piu' grandi e popolari musicisti honky tonk della seconda metà degli anni '50, prima che un tragico incidente stroncasse prematuramente la sua carriera e la sua vita. Horton fu il primo a fondere l'honky tonk con il rockabilly, e la sua musica e' stata fonte di ispirazione per nuove generazioni di musicisti nei quarant'anni successivi alla sua breve epopea artistica. Horton nasce a Los Angeles nel 1925 e nel 1949 si stabilisce in Alaska, dove diviene un pescatore ed inizia a comporre i primi brani. Nei primi '50 è in Texas, dove partecipa ad un concorso per cantanti con Jim Reeves, lo vince e Fabor Robison, un manager locale, gli trova un contratto con la Corman Records che pero' fallisce; a questo punto il manager fonda la sua etichetta, la Abbott Records, con l'intento di pubblicare la musica di Horton, ma nessuno dei suoi dischi ottiene il successo sperato. Nel 1951 Horton inizia a suopnare a Los Angeles ed a Pasadena in California, dove si esibisce con lo pseudonimo di "the Singing Fisherman" e nel 1952 Robison lo fa firmare con la Mercury. Nel 1952 Hank Williams diviene il mentore di Horton, purtroppo il grande interprete country muore di lì a poco, nel 1953. Con l'esplosione del rock & roll Horton cambia manager e si affida a Tillman Franks, che lo porta alla Columbia nel 1955: durante la prima registrazione per la nuova label Johnny suona "Honky Tonk Man", che diverrà il suo primo singolo per l'etichetta ed un futuro classico della musica honky tonk. Il brano entra nei primi posti delle classifiche nel 1956, seguito da "I'm a One-Woman Man", "I'm Coming Home" e "The Woman I Need" tra il 1957 ed il 1958, poi alla fine di quest'ultimo anno ritrova il successo con "All Grown Up", "When It's Springtime in Alaska (It's Forty Below)" e "The Battle of New Orleans", che inaugurano la serie dele canzoni a sfondo storico, seguite persto da altri grandi successi quali "Johnny Reb", "Sink the Bismarck" e "North to Alaska" nel 1960; purtroppo nel novembre di quell'anno Horton perderà la vita in un incidente, appena trentacinquenne.